En los últimos meses, Movistar + se ha caracterizado por traer a la pequeña pantalla española series de gran calidad y con un amplio abanico de géneros, como fue el caso de La Peste. El próximo 6 de abril llegará Félix al servicio de televisión bajo demanda con los seis episodios que conforman la serie grabada en 4K. 

Cesc Gay y Tomàs Aragay (quienes colaboraron con anterioridad en Truman) se unen para desarrollar el guion de la serie protagonizada por el actor argentino Leonardo Sbaraglia (Relatos Salvajes). En ella, Sbaraglia interpreta a Félix, un hombre de la misma nacionalidad que su actor que decidió mudarse a Andorra al enterarse de que había sido padre años atrás. 

Es el primer año que pasa en el pequeño país colindante con Francia y, a pesar de haberse mudado desde Madrid para pasar tiempo con su hijo, decide llevar sus esfuerzos a otro terreno. Hace unas semanas pasó la noche con una mujer de origen asiático llamada Julia. No le ha devuelto las llamadas, no ha vuelto a verla, no conoce dónde vive y, en esencia, no sabe nada de ella. Tan solo tiene aquel nombre ficticio y algunos detalles inconexos sobre su vida. 

Félix está seguro que el motivo por el que no puede volver a ver a la mujer que lo “enamoró” aquella noche es porque ha sido raptada. Ante la negativa de la policía sobre investigar el caso, el hombre utilizará todos sus recursos para descubrir qué ha pasado con Julia. Durante el primer capítulo, la trama de misterio englobará todo el arco mezclándose con una pequeña dosis de humor a manos del protagonista y Óscar (Pere Arquillué), su Sancho particular. 

El peso de la serie recae por completo en el personaje principal, dando de lado casi por completo las actuaciones de Pedro Casablanc o Arquillué. Quizás tengan mayor carga narrativa en los cinco episodios que restan, pero es algo que hasta el día 6 no sabremos. 

La aventura como detective de Félix se antoja demasiado forzada, encontrando a simple vista pruebas cruciales que refuerzan el argumento de que Julia fue “quitada de en medio” por la fuerza, corrompiendo escenarios de crimen (ya sea este u otros) y sin aparentes consecuencias a las acciones delictivas que realiza el protagonista.

Por otro lado, el arco romántico que presenta la nueva serie de Movistar + es vital para la historia, pero completamente incoherente. La trama hiperbólica obvia la realidad y lleva a Félix a recoger cada detalle de la joven que queda en su mente para perseguirla no solo por el pueblo, sino más allá de la frontera francesa, en sus citas médicas y gimnasio e incluso en su propia casa (cuya localización desconocía). Todo esto se une a un sinfín de estereotipos sobre la cultura asiática.

Lo que no puede negarse es la belleza del paisaje que nos muestra Félix. Grabado en España, Francia y Andorra, la serie no solo enseña lo que es vivir en un pequeño pueblo, cómo todos se conocen y forman parte de una misma comunidad, sino que también deleita con el entorno natural de Andorra.

En general, lo nuevo de Movistar es entretenido y tiene momentos realmente cómicos. Sin embargo, si lo que quieres es ver una comedia, te recomendamos que devores Mira lo que has hecho, también producción de la plataforma, que sí consigue sumergirte en la vida de sus protagonistas y propone situaciones más creíbles y sanas.

Félix ha sido una de las escogidas para el Cannes International Series Festival del 7 al 11 de abril, así que después de ver la primera temporada podremos conocer cuál es la opinión de la crítica extranjera. 

María R.

El universo cinematográfico de Harry Potter ha introducido a muchísimos seguidores en sus novelas, enamorando con la magia de sus historias y personajes. Sin embargo, las cintas sobre el personaje principal no han ofrecido a los fans todo lo que necesitaban, demandando nuevas adaptaciones centradas en otras subtramas como los Merodeadores, los fundadores de las casas o los orígenes del propio Voldemort. 

Gracias al estudio independiente Tryangle Films podemos disfrutar de esta última faceta del mundo potterhead y descubrir cómo era Voldemort antes de convertirse por completo en el gran mago oscuro de su tiempo. Claro que estaremos ligeramente limitados: quien cuenta la historia no es un narrador omnisciente y tampoco el propio Tom Riddle (Interpretado por  Stefano Rossi). La encargada de mostrarnos la faceta más desconocida de Lord Voldemort es Grisha McLaggen (Maddalena Orcali), heredera de Godric Gryffindor y amiga leal de Tom durante muchos años. 

La historia de Voldemort: Origins of the heir comienza con cuatro jóvenes, miembros de un club secreto: el de los herederos. Lazarus Smith (Rorie Stockton) es heredero de Helga Hufflepuff, Grisha McLaggen (como ya hemos mencionado antes) de Gryffindor, Wiglaf Sigurdsson (Andrea Baglio) desciende de Rowena Ravenclaw, y Tom Marvolo Riddle de Salazar Slytherin. 

Gracias a los creadores de esta nueva historia podemos unir más y más piezas sobre El-que-no-debe-ser-nombrado. Por una parte, tenemos los extractos mostrados en Harry Potter: El misterio del príncipe sobre la infancia de Tom Riddle. También los de La cámara secreta. Unir todos ellos junto a la historia de los orígenes nos lleva a una conclusión: si alguna vez pensamos que Riddle estaba condicionado por sus circunstancias, ya no es así.

El Voldemort que nos muestra el largometraje dirigido por Gianmaria Pezzato se asemeja más a los libros en cuanto a crueldad, altanería y orgullo. Nadie ha sido suficiente para él, y lo ha reflejado en cada momento de su vida, despreciando a todos los que tenía a su lado.

Aunque se nota que la producción no está a la altura de un blockbuster de Hollywood, no se le puede restar mérito por ello. Tiene un buen equipo de post-producción y de retoque visual y de sonido, pero flojea en lo amateur de las actuaciones y algunas lagunas argumentales.

Eso sí, todos los fans de la saga volverán a sumergirse en el mundo mágico con esta hora de largometraje sobre la historia de Voldemort.

Voldemort: Origins of the heir es una película hecha por y para fans de la saga mágica, centrada en la juventud de Tom Riddle desde sus últimos años en Hogwarts hasta su ascensión como mago tenebroso. Para poder llevarla a cabo tuvieron que llegar a un acuerdo con Warner Bros., ya que son quienes poseen los derechos de explotación a nivel audiovisual. 

Gracias a un acuerdo con la productora, además de obtener permiso para realizar la historia sobre el malvado personaje de la saga Harry Potter, también consiguieron una sustanciosa inversión que ayudaría en la producción de la película. 

El largometraje tiene una duración de aproximadamente cincuenta minutos y está disponible para todos en Youtube con audio en inglés y subtítulos en varios idiomas. Si queréis echar un ojo a la cinta  escrita y dirigida por Gianmaria Pezzato, no dudes en ver el vídeo que dejamos más abajo.

Con las nominaciones de los Premios Oscar ya anunciadas, los miembros de la industria cinematográfica en España se han puesto las pilas para estrenar las protagonistas antes de la gala. Una de las películas más esperadas de este año (con nominación o sin ella) es La forma del agua (The shape of water), el nuevo largometraje dirigido por Guillermo del Toro que mezcla lo histórico con la fantasía. Se estrenará en nuestro país el próximo 16 de febrero gracias a 20th Century Fox.

La forma del agua sigue a Elisa Esposito (Sally Hawkins), una joven muda que se dedica a limpiar en un edificio del gobierno. Ambientado durante la Guerra Fría entre Estados Unidos y Rusia, la película narra una el romance entre la protagonista y el objeto de estudio de Norte América: un híbrido de humano y anfibio (Interpretado por Doug Jones) al que veneraban como un dios en el Amazonas.

Zelda Fuller (Octavia Spencer) ha sido fiel compañera de Elisa durante años. Conoce a su compañera de trabajo, por lo que no se le escapan las excursiones que hace la joven hasta la sala en la que mantienen a la criatura cautiva. Poco a poco, lo que comienza como curiosidad por parte de Esposito se convierte en una camaradería, que tardará muy poco en ser algo más. 

Eso sí, no todo es tan fácil como parece. En esa época y bajo las condiciones en las que nace su relación, Elisa y la criatura no lo tendrán nada fácil. 

Las dos mujeres y la criatura están acompañados del cruel Agente Richard Strickland (Michael Shannon) y el Dr. Robert Hoffstetler (Michael Stuhlbarg), quienes dotan la trama romántica de un tono policíaco.

Como ya ocurriese con La cumbre escarlata, Del Toro nos trae una historia de amor fantástico con una alta belleza visual que sumerge al espectador en la cinta casi desde el primer momento. Los recursos visuales y la historia romántica mantiene un tono de fábula que se fija con la narrativa del guion del director mexicano.


Las actuaciones de La forma del agua son impresionantes. Sobre todo la llevada a cabo por Sally Hawkins. Sin hablar ni una palabra durante toda la cinta, transmite en cada momento lo que siente su personaje, ya sea con una mirada, con un gesto o con el lenguaje de signos, que nos muestra un poco más a fondo el carácter de la protagonista.

A pesar de que Hawkins se haga dueña de la gran pantalla, todos los personajes consiguen hacerse un hueco en la mente y corazón de los espectadores. Desde el personaje de Giles (Richard Jenkins), que en ocasiones se convierte en el único apoyo de Elisa, hasta el antagonista protagonizado por Shannon. Se nota el profundo conocimiento del reparto por sus propios personajes y los de sus compañeros, así como del contexto cultural que trata.


Del Toro innova otra vez en el género romántico con su nueva película. La cinta envuelve a los amantes del género. No solo cumple su función de entretenimiento, sino que además deja al espectador con una sensación de tranquilidad, calor en el pecho y una sonrisa en los labios. Quizás no sea la mejor cinta de las nominadas en los Premios Oscar de este año, o la más apropiada conociendo la trayectoria de los galardones, pero desde luego es una imprescindible para todos los enamorados del romance y la fantasía.

Si prefieres disfrutar de la historia de Guillermo del Toro en formato papel, recordamos que la novelización de la película llega a las librerías el 27 de febrero bajo la editorial Umbriel, compartiendo la autoría con Danielle Kraus.

María R.

Título: Giant Days Volumen 1

Autores: John Allison, Lissa Treiman (dibujante), Whitney Cogar (color)

Editorial: Fandogamia

Año: 2017

ISBN: 978-84-17-05804-3

Páginas: 112

Precio:10,00 €

Qué mal hace a nuestros bolsillos acudir a una convención. Siempre lo he pensado. No sé cómo, pero vas dispuesto a disfrutar de grandes artistas y acabas siempre picando en alguna u otra cosa. Para mí esto está casi siempre relacionado con cómics y novelas. Durante la Heroes Comic Con Madrid tuve el placer de toparme con el primer volumen de Giant Days, de John Allison. Llevaba siguiéndole la pista mucho tiempo pero lo cierto es que no sabía que había sido publicado en nuestro país (¡gracias, Fandogamia!), por lo que cuando lo vi en la tienda de la editorial tuve que hacerme con él.

Susan, Esther y Daisy empezaron la universidad hace tres semanas y enseguida se hicieron amigas (gracias a vivir en el mismo pasillo). Las tres jóvenes intentarán sobrevivir a sus primeras semanas fuera de casa, en las que no solo tendrán que intentar reencontrarse consigo mismas, sino que también deberán afrontar las opiniones de extraños y la presencia de aquellos que una vez fueron amigos.

Giant Days muestra tres jóvenes muy diferentes. Por una parte tenemos a Susan, una chica inteligente, extrovertida, obstinada y poco amiga de los cambios. Daisy la sigue en esto último, ya que su naturaleza tímida e inocente provoca que se mantenga como hasta ahora (y está muy a gusto con ello). Por otro lado, Esther representa la libertad, la confianza en uno mismo y la positividad constante. Lejos de separarlas, todo lo que las diferencia es aquello que logra que se complementen las unas a las otras, creando un profundo lazo de amistad y un gran apoyo en los momentos más bajos.

Durante el primer volumen del cómic creado por John Allison podemos ver cómo mediante estas tres mujeres se exploran temáticas como la juventud LGTBI, el machismo o el slut shaming. En cuanto al primer tema se refiere, no se reflejará como una reivindicación de derechos propiamente dicha. En Giant Days conocemos a un personaje parte de la comunidad, cómo se enamora e intenta tener pareja pero, finalmente, no surge entre ambos una relación romántica.

Un escándalo asolará la universidad en la que estudian Susan, Esther y Daisy y tendrá que ver con cierta páginas web que permite votar a sus navegantes quiénes son las "tías más buenorras" del campus. Susan se lo tomará como una ofensa personal (a pesar de no ir dirigida a ella) e intentará buscar a los culpables para vengarse. Es este "juego de niños" el que Giant Days utiliza para mostrar el machismo interiorizado en la sociedad y presente en el día a día. También enfoca parte de la trama en la misandria junto al mismo personaje que, aunque ella lo lleve hacia lo personal por problemas con un hombre concreto (McGraw), acaba por transmitirse hacia generaciones más jóvenes como algo general. 

El primer volumen de Giant Days trata estos temas con naturalidad y cuidado, intentando a la vez sumergirte en las vidas de las tres protagonistas y ponerte en la piel de todas ellas (incluso si se es completamente opuesto a las jóvenes). Susan, Esther y Daisy consiguen sacar siempre una sonrisa gracias al humor plasmado por Allison, que se debate entre lo absurdo, lo inocente y a veces incluso algo de humor negro. 

He disfrutado de principio a fin cada página del primer volumen de Giant Days, aunque he de reconocer que la introducción de la misandria me chirrió un poco. Aunque intenté tomarlo a modo de crítica social (al igual que el machismo), no conseguí saber si realmente es este el tono que querían utilizar sus creadores o si hay algo bastante incorrecto en el personaje de Susan. 

Con la historia de Allison y la tinta de Treiman y Cogar te sumerges por completo en la vida universitaria de los personajes de Giant Days. El humor del cómic, las subtramas cortas que lleva cada grapa dentro del volumen e incluso los arcos románticos hacen que necesites continuar leyendo la historia de las tres chicas siempre que encuentres un momento libre. 

Si estás buscando una historia innovadora ambientada en el día a día no puedes pasar por alto Giant Days. Gracias a Fandogamia podemos disfrutar ya de los dos primeros volúmenes, así que no dudeis en dar una oportunidad a la historia de Susan, Esther y Daisy. 

María Reinoso 

Autores: G. Willow Wilson, Adrian Alphona y Jacob Wyatt

Editorial: Panini Comics España

Año: 2014

ISBN: 978-84-90-94151-5

Páginas: 168

Precio:15,00 €

He de reconocer que siempre me han gustado los superhéroes de Marvel más que los de DC Cómic, por lo que cuando decidí sumergirme en la ficción gráfica de este tipo, no podía ser de otra casa. Las críticas de Ms. Marvel me llevaron a descubrir la historia de Kamala Khan y no podría estar más agradecida. 

Kamala Khan vive en Nueva Jersey, es una joven musulmana que siempre se ha sentido desplazada tanto en casa como entre sus compañeros de clase. Ha de seguir las reglas que le imponen en su casa, más estrictas que las de su hermano, pero cuenta con un gran grupo de amigos con los que podrá superar todos los obstáculos… incluso convertirse en Ms. Marvel.

Una noche, después de que la compañera de clase a la que admira vuelva a hacer un comentario racista y se queje de cómo tratan los padres de Kamala a su hija, la joven se escapará de casa. El objetivo será ir a una fiesta donde, además de la compañera, están las personas más populares de su instituto. Durante la noche, una propagación de niebla intoxicará a todos, provocando que Kamala vea a Ms. Marvel, Capitán América y Iron Man. 

Desde ese momento, la chica de dieciséis años se verá sumergida en situaciones poco convencionales donde aprenderá a utilizar sus nuevos poderes (que incluyen metamorfosis y superfuerza entre otros) y a estar a gusto consigo misma.

Vivimos en una sociedad global y multicultural. Sin embargo, no podemos negar que la representación de las minorías a menudo brilla por su ausencia en los medios culturales. Miles Morales, un joven afroamericano que se convertía en Spider-man, aparecía en 2011. Dos años más tarde llegaría al papel Kamala Khan.

Al pensar en Ms. Marvel podemos pensar que lo más importante es la línea argumental, los “malos” y tener a la joven como salvadora. Nada más lejos de la realidad. He de conceder que en las entregas que engloba el primer tomo sí que hay un conflicto de “malos” y “buenos” en el sentido más tradicional, pero mucho más importante que ello es cómo lo soluciona, los problemas del personaje principal y el retrato que hace de su familia.

En el primer tomo de Ms. Marvel, Fuera de lo normal, nos sumergimos en el mensaje de aceptación creado por G. Willow Wilson, el autor del cómic. La evolución personal de Kamala desde la primera a la última grapa del tomo no parece para nada repentina y se adecúa perfectamente con una chica de dieciséis años, una ardua tarea para cualquier creador de contenido.

Además de centrarse en el personaje como adolescente, también se desmarca con la representación de la cultura musulmana dentro de una sociedad occidental actual. Algunos dirán que cae en los tópicos, pero lo cierto es que logra adaptarse a todos los jóvenes iguales que Kamala utilizando formas universales. No solo habla de su fé y sus costumbres, de la familia tradicional, sino que también desarrolla los problemas a los que puede enfrentarse una persona por ser “diferente”. Si ser adolescente es difícil, aún lo es más si se forma parte de una minoría.

Por si esto fuera poco, en tan solo el primer tomo encontramos relaciones de amistad, románticas, de acción y de intriga. Todo esto se une a un grupo de personajes con carisma propia que a pesar de su poco protagonismo se llegan a hacer un hueco en el corazón.

No se puede decir mucho más de la Ms. Marvel de Kamala Khan sin desvelar el argumento completo. Por el momento nos quedamos con todo lo dicho anteriormente y con unas ganas inmensas de continuar con sus historias. Si aún no le has dado una oportunidad a la superheroína de Marvel, no dudes en hacerlo pronto.

Hacía dos años que no teníamos la oportunidad de ver una obra de Todd Haynes en la gran pantalla. Con Carol, el largometraje protagonizado por Cate Blanchett y Rooney Mara, se convirtió en uno de los directores favoritos entre los amantes cinematográficos, por lo que había muchas expectativas para su último estreno: Wonderstruck. 

Wonderstruck. El museo de las maravillas cuenta dos historias. Por un lado tenemos a Ben (Oakes Fegley), un niño de los setenta que acaba de perder a su madre en un accidente de coche. Una serie de eventos desafortunados harán que el pequeño se encuentre en la calle en busca de lo poco que le queda de familia. Cincuenta años antes, durante la década de los veinte, seguimos a Rose (Millicent Simmonds). Rose es una pequeña niña sorda que vive en una mansión con un padre que la maltrata. Siguiendo la máxima de Ben, se irá hasta Nueva York, donde vive su exitosa madre (interpretada por Julianne Moore). Los dos niños buscarán en Nueva York no solo a una familia en la que confiar, sino también su nuevo hogar, apartado del daño del pasado.

Ambas historias se van entrelazando a lo largo de la película, alternando el blanco y negro con un color lleno de contrastes, hasta que la línea argumental llega a su fin con la unión de las dos tramas.

El argumento de la película es bastante simple en líneas generales. A grandes rasgos, lo que he mencionado más arriba es todo lo que ocurre en la película (detalles de cada personaje a un lado). Wonderstruck no brilla precisamente por la complejidad del guion, pero a menudo este no es lo más importante de la cinta.

En la cinta guionizada por el autor Brian Selznick se intenta visibilizar la discapacidad en niños (en este caso la sordera), los retos a los que se enfrentan, la incomprensión del entorno pero también la evolución de una época a otra en este sentido, y, sobre todo cómo pueden adaptarse a su propia situación.

María Reinoso

Título: Cuando el cielo se queme

Autor: Jordi Sierra i Fabra

Editorial: HarperCollins

Año: 2017

ISBN: 978-84-91-39170-8

Páginas: 256

Precio:14,90 €

Jordi Sierra i Fabra es el hombre de las cuatrocientas novelas y, sobre todo, el autor que nos sumergió a muchos de nosotros en la lectura. El pasado 2 de noviembre volvía a las librerías con Cuando el cielo se queme, una nueva novela sobre la reunión de un grupo de música publicada por HarperCollins.

Cuando el cielo se queme sigue a Silvio, Gabi, Gonza y Marc, cuatro rockeros de cuarenta años que conformaban el grupo Lágrimas de Cocodrilo, uno de los mayores fenómenos del panorama musical español. Con un integrante en la otra vida y más de diez años desde su separación, Juanjo (su manager) pretende reunir nuevamente a los cuatro no solo para conseguir el éxito, sino para devolver la amistad y la ilusión por la música a cada uno de ellos. 

Cuando se separaron, juraron que no volverían a hablar hasta que el cielo se quemase. Juanjo está pasando apuros, el mundo de la música no es lo que era hace veinte años, y el rojo está tiñendo el horizonte. Es hora de volver. 

Cuando el cielo se queme trata de retratar las vidas de Lágrimas de Cocodrilo, pero también la industria de la música en la actualidad. Siempre con la máxima de llenar las arcas, la crueldad de todos los actores del sector puede palparse en cada momento: desde la necesidad de Juanjo al egoísmo del periodista musical.

En cuanto a nivel argumental, la longitud de la novela hace que quieras más, que desees al menos un epílogo sabiendo el ¿qué hay después?. Al igual que en otras ocasiones, la novela de Sierra i Fabra narra el camino de los personajes, pero no el final. Cada página te atrapa, provoca que quieras desvelar e introducirte en la vida de los cuatro miembros y ser uno más de Lágrims de Cocodrilo.

En la novela, la verdadera fuerza radica en los personajes. Argumentalmente sigue una línea bastante básica, una reunión de ex-compañeros. Mediante el carisma de los personajes, sus backstories y las nuevas caras que van apareciendo poco a poco interaccionando con ellos, la historia gana complejidad.

Cuando el cielo se queme ahonda en la vida privada de los protagonistas, pero también en la profesional. Es una historia sobre cómo estos dos aspectos siempre van ligados el uno con el otro y cómo romper una amistad lleva a romper un grupo. Además, mediante los personajes se enmarcan sentimientos como la envidia o el egoísmo del que hablábamos antes, junto con temas sociales como puede ser el alcoholismo, su estigmatización y el abandono de los "marginados".

Está estructurada en capítulos cortos que apenas llegan a las dos páginas y su extensión supera por poco las doscientas páginas. Se hace corta y amena, evitando el relleno en el argumento. Cada capítulo narra la historia desde la perspectiva de uno de los protagonistas, incluyendo también alguno desde la de sus mujeres. 

Como muchas novelas del autor, a lo largo de Cuando el cielo se queme predomina el diálogo, lo que logra una mayor rapidez de la acción y, por supuesto, de lectura. 

Jordi Sierra i Fabra posee años de experiencia en el mundo de la música como periodista. Siempre ha sido una gran parte de su vida y esto se refleja en sus novelas. Varias de ellas han sido dedicadas a este premio, como Sonidos del corazón o Paradise Rock, a las que ahora se une Cuando el cielo se queme. 

Si eres un amante de la música y estás buscando una novela para leer estas navidades, o simplemente quieres algo corto y ameno (pero interesante), Cuando el cielo se queme siempre será una buena elección. 

En el panorama seriéfilo actual podemos disfrutar de muchas series ambientadas en diferentes periodos históricos, desde la fantástica Juego de Tronos hasta Reign o, algo más actual, Good Girls Revolt.

Por muchas épocas que se muestren en la pequeña pantalla, hay un tema que no se ha utilizado con asiduidad y ese es el de los Templarios, guerreros cristianos que pretendían proteger Tierra Santa y proteger a los hombres en su camino. Ahora podemos echar un vistazo a los últimos años de estos hombres con Knightfall, la nueva serie de HBO protagonizada por Tom Cullen (Downton Abbey).

Siglo XIV. Tierra Santa está siendo atacada tras un largo asedio a la ciudad. A pesar de la lucha, los templarios no pueden salvar la ciudad, por lo que intentan salvar a las personas que viven en ella. Tras asegurar la seguridad del Santo Grial (la copa de la que Jesucristo dio de beber vino en la última cena), los guerreros llenan los barcos con tantos habitantes de Tierra Santa como pueden, mas en mitad de la huida, una bola de fuego alcanza el primer barco. Es ahí donde se encontraba un gran número de personas custodiando el Santo Grial.
Con todo perdido, los Templarios de Tierra Santa y las personas que han conseguido rescatar se dirigen rumbo a París, donde estarán los próximos quince años. La capital francesa, mayoritariamente cristiana, comienza a desarrollar un odio especial hacia los judíos. Las arcas del Estado están cada vez más vacías, pero a pesar de las recomendaciones del consejero real William De Nogaret (Julian Ovenden) el Rey Philip (Ed Stoppard) rechaza el pedir un impuesto único para los de fe distinta a la oficial.

No importan los años que pasen, el sentimiento de derrota sigue presente entre los Templarios y especialmente en Landry (Tom Cullen), quien propone proteger a este sesgo de la población de la crueldad pública que les demuestran día a día.

Mientras tanto el maestro de los Templarios parece realizar una misión de importancia que tendrá como desenlace su muerte en mitad del camino, asaltado por quienes parecen ser simples ladrones del bosque. La identidad de los malhechores se cuestionará cuando, en la espada del maestro que ha traído de vuelta el joven Persifal (Bobby Schofield) encuentren la primera pista de algo histórico: el Santo Grial ha sobrevivido y está nada más y nada menos que en Francia.

En el Castillo del Rey se encuentran en una encrucijada por escoger el futuro marido de la Princesa Isabella (Sabrina Bartlett). Los dos candidatos serían Inglaterra, con quien sellarían un conflicto, o Cataluña, donde conseguirían riquezas y terrenos estratégicos. Isabella tiene clara su elección: pretende casarse con el Príncipe Luis. Su padre no está tan seguro. Por otro lado, la Reina Juana (Olivia Ross) parece enfermar con bastante frecuencia, al menos a los ojos de su esposo, evitando que los monarcas hagan la típica vida de reyes rodeados de su corte a la que nos ha acostumbrado la ficción real.

Estos son los puntos de partida de los personajes que viven en la serie Knightfall, un drama de acción y aventuras producido por Jeremy Renner y dirigido por Douglas Mackinnon, Metin Hüseyin y David Petrarca.

Como buen producto histórico desarrollado para televisión, no solo narra los hechos del fin de los Templarios y sus luchas, sino que también cuenta con subtramas amorosas, de traición, y muchas escenas de una violencia digna de Juego de Tronos.

Personalmente y como no-experta en historia, hay algún que otro aspecto que me ha chirriado de los primeros episodios que hemos podido ver de la serie. Uno de ellos se trata del círculo que llevan los judíos como identificación, casi como el tatuaje que llevaran cinco siglos después. El otro es la ostentación de un cargo tan importante como es consejero de la corona por un hombre ajeno a la fé del rey —y en definitiva, de la mayoría del país—. Puede que efectivamente fuese así en el siglo XIV, pero se me antoja algo adelantado para la época.

Por otra parte, aunque el trabajo en vestuario y ambientación es más que satisfactorio, hay escenas como las que ocurren dentro de la capilla del castillo en que se notan unos efectos visuales no demasiado trabajados. Es lógico que una serie que comienza no brille precisamente en este aspecto, pero me recordaron a los que, después de más de seis temporadas, utiliza Once Upon A Time —También de A+E Networks—.

En cuanto a argumento de la serie, es cierto que en muchas ocasiones nos encontramos con momentos obvios —como el ofrecimiento a Persifal para ser un templario—, pero tiene un ritmo rápido que entretiene y hace que los cuarenta y cinco minutos no se hagan pesados e incluso te hagan querer más.

Knightfall es una serie en la que los finales siempre conllevan algún plot twist para enganchar al siguiente, pero lo que de verdad destaca de ella son sus actuaciones. Destaca Jim Carter, que interpreta al Papa Bonifacio VIII mostrando su cara más cordial —casi recuerda a su personaje Carlson, de Downton Abbey— para desvelar posteriormente la mano dura que lo ha mantenido en su papel mucho tiempo.

La serie está formada por diez episodios de cuarenta y cinco minutos cada uno que podremos disfrutar en HBO España a partir del día 7 de diciembre. La plataforma de visionado online estrenará un episodio a la semana al día siguiente de su salida en Estados Unidos.

En los últimos años, Amazon ha estado al cargo de series de éxito como Crisis in six scenes, de Woody Allen, Transparent, de los hermanos Duffer y Mozart in the Jungle. Sin embargo, las nuevas series parecen no estar encajando en el público como deberían. Hoy os hablamos de una de sus recientes (y poco merecidas) cancelaciones: Good Girls Revolt.

Nos mudamos al Manhattan de los años 60 siguiendo a las trabajadoras de la revista News of the week. Hace tiempo que los derechos de la mujer la permiten tener el mismo trabajo que los hombres. Aún así, solo los hombres pueden llegar a ser redactores, relegando a las mujeres al papel de documentalistas. Cada redactor tiene una investigadora que reúne todos los datos para que él pueda escribir la historia que le han encargado, pero su nombre nunca llega a rozar las páginas.

La entrada de Nora (Grace Gummer) en el periódico comenzará la revolución laboral en la que se basa Good Girls Revolt. La joven será asignada un reportero y, al ver que este no realiza el trabajo asignado, realizará ella el artículo para la revista, firmando bajo otro nombre. No tardarán en llegar las felicitaciones de manos de los editores de la revista, preguntando quién de todos ha sido el que ha escrito el reportaje.

Cuando Nora admita que ha sido ella, con orgullo palpable en su voz, y demande un puesto de redactora, se dará cuenta de que nunca conseguirá llegar a ostentar el cargo en News of the week. Sus sospechas se confirmarán ipso facto de la misma boca de quien le habían llegado halagos, y no tardará en presentar su renuncia.

Patti Robinson (Genevieve Angelson) sigue el estereotipo de la chica moderna en todos los sentidos. Con un estilo e ideas poco conservadoras, la joven desea luchar por el papel de la mujer en la sociedad, y cuando conozca a Nora —a pesar de su pronta partida— comenzará a ir a reuniones en pro de la mujer. Será allí donde se encuentre por primera vez con Eleanor (Joy Bryant), una abogada que está interesada en ayudarlas a conseguir el puesto que se merecen en la revista

Patti adora News of the week, pero solo hay un modo de conseguir lo que quiere en su futuro: uniendo a todas las mujeres de la empresa para una queja colectiva. Durante varios meses, la pelirroja intentará convencer a sus compañeras y poco a poco, se unirán. Cada mujer es diferente, unas más conservadoras, otras menos, pero todas tienen algo en común: su amor por la escritura y el periodismo.

La serie creada por Dana Calvo está compuesta por diez episodios de cincuenta minutos, de los cuales seis han sido dirigidos por mujeres. Es difícil encontrar una serie o cinta sobre los derechos de la mujer en la que sean ellas mismas las que colaboren de manera activa. En un mundo profesional liderado por hombres como es la industria fílmica, con frecuencia se nota cuando un personaje femenino o guion está escrito por hombres, por lo que podríamos decir que Good Girls Revolt hace honor a su temática.

En los seis capítulos no solo vemos el papel de la mujer en el ambiente de trabajo, sino también en la vida personal. La serie refleja las partes positivas y negativas de los diferentes tipos de mujer en los Estados Unidos de los años 1960, mostrándonos como muchos aspectos pueden extrapolarse a la sociedad global actual.

En el papel de Cindy (Erin Drake) vemos a una joven casada hace menos de un año a quien su marido “le ha dado permiso” para trabajar antes de ponerse a formar una familia. La mujer está en las vidas de los hombres para tener descendencia y una persona que haga todo por ellos, ¿no es así? Su marido no respetará la decisión de Cindy de ir a trabajar y sin que ella lo sepa, hará un agujero en su diafragma.

Después de la traición de su marido, comenzará a coquetear con Ned (Michael Oberholtzer), su compañero de trabajo, con quien tendrá una aventura y descubrirá el sexo como no lo había hecho antes: un acto para disfrutar y como conexión entre dos personas… aunque Ned no lo vea así.

Por otro lado tenemos a Jane Hollander (Anna Camp), una niña rica a quien su padre ha colocado en el trabajo para que se entretenga hasta que su novio le pida matrimonio. Fue ella quien escogió el trabajo y, a pesar de ser tan solo una documentalista, Jane está enamorada de su puesto, de la redacción, y del ambiente que se respira cuando tiene la suerte de acompañar a su reportero en la calle.

Puede que los nombres que conforman el reparto no sean muy conocidas —con la excepción de Anna Camp— pero puedes estar seguro de que esto no mengua la calidad de la serie. Cada segundo en pantalla todos y cada uno de ellos te hace sentir algo, ya sea frustración, felicidad o emoción. Quizás incluso sea otro aspecto positivo, para alejarte de la serie como un formato actuado y pensar en ella como un manifiesto sobre los derechos de la mujer.

Además de una fuerte carga feminista, la serie de Amazon cuenta con subtramas románticas e históricas —con el movimiento de los Black Panther—.

Good Girls Revolt ya está disponible en Prime Video España, así que si te ha picado la curiosidad, solo tienes que dirigirte allí. Aprovecho para recordar que todos los suscriptores al servicio Amazon Prime tienen de forma gratuita el servicio Prime Video. Hay más de una joya escondida allí, chicxs.

María R.

A principios de verano del año pasado os hablamos de 33 razones para volver a verte, nuestra primera lectura de Alice Kellen publicada por Titania. Nueve meses después de su lanzamiento nos hemos sumergido en 23 Otoños antes de ti, la continuación de la novela que dio comienzo la saga Volver a ti, y que está enfocada en Luke, uno de los tres amigos.

Antes de nada, me gustaría puntualizar que aunque ambos libros formen parte de un mismo conjunto, las dos historias pueden leerse por separado, sin conocer previamente el argumento y desarrollo de 33 razones. Si lo que te apetece es una historia fresca que enganche, esta podría ser una muy buena opción, aunque no podemos asegurar que no necesitéis el resto de novelas en vuestras manos después de disfrutar de 23 Otoños. Os contamos un poco más de ella.

Si habéis leído nuestra reseña del principio de la saga, os habréis dado cuenta de que el personaje de Luke fue uno de los que menos brillaron para nosotras. Creo que por fin podemos decir que eso ha terminado. En esta nueva historia Luke se ha alejado de todos sus amigos (literalmente) y por fin podemos conocerlo un poco más como individuo y no como parte del grupo de amigos.

He de reconocer que casi prefiero su "yo" borracho, ya que en los primeros capítulos, que además de la infancia de Harriet narran el momento en que la pareja se conoce, parece un chico atento, divertido y romántico. Cuando llega al pequeño pueblo en el que su esposa ha vivido toda su vida se muestra más testarudo y, aunque es verdad que tiene detalles bonitos, los celos, el miedo y un pasado que no consigue dejar atrás afean su carácter ligeramente, aunque también le aportan mayor verosimilitud.

Aunque Luke sea el nexo de unión de 23 Otoños antes de ti con 33 razones para volver a verte, en esta historia la verdadera protagonista es Harriet. Ella es una chica de pueblo que ha sido abusada emocionalmente por su progenitor y por su primera y única pareja, y que ha tenido que pasar por muchísimas experiencias negativas a lo largo de su corta vida. Estas la han convertido en una joven callada y retraída en sí misma que solo se relaciona con su mejor amiga, Angie, su pareja Jamie y su madre Bárbara (quien ha actuado como si también fuera la de Harriet desde su más tierna infancia).

Pensó que con los papeles matrimoniales y la herencia de su padre sería feliz, pero las cosas no están saliendo como ella pensaba. La llegada de su marido oficial al pueblo, no hace más que empeorar las cosas, al menos en un primer momento, y antes o después, todo podría venirse abajo.

Para mí, Harriet y Luke han superado con creces la relación entre Rachel y Mike —a pesar de las obvias diferencias entre una y otra—. Uno de los aspectos que más me chirriaba en la primera entrega era la toxicidad de ambos con el otro, el daño que se hacían, las mentiras y como lo enmascaraban y justificaban con su pasado.

En esta ocasión, y a pesar de los celos, los miedos y los problemas que surgen, he notado una mayor libertad y aceptación del uno hacia el otro. Harriet y Luke se compenetran y comunican de un modo en que nunca pensaría que pudieran hacerlo la pelirroja y Mike.

Si tuviera que ponerle una pega sería la escritura. Aunque en la primera novela la tercera persona ayuda a diferenciar entre los personajes y da una perspectiva más global, he sentido que en esta me perdía ligeramente. En ocasiones, no sabía distinguir si me metía en la mente de Harriet, en la de Luke, o en una tercera omnisciente pero imparcial. Parece mentira, pero eso me ha sacado de la historia en algún momento. Aún así, el lenguaje rico de la novela y la forma de escribir de Kellen me llevaba a sumergirme de nuevo en la novela con facilidad.

23 Otoños antes de ti es una de las novelas que más me han enganchado en los últimos meses y que por fin ha logrado sacarme de un parón lector. Sus personajes me han enamorado por completo y me he involucrado tanto en sus vidas e historias que casi puedo oler las hojas del bosque que limita con el pequeño pueblo de Washington.

María R.